6月18日下午，浦东美术馆年度大展“缔造现代：来自巴黎奥赛博物馆的艺术瑰宝”开幕。米勒、库尔贝、莫奈、马奈、德加、雷诺阿、塞尚、梵高、高更、修拉等西方艺术史中的大画家作品一同来到上海，向中国的观众展示西方绘画从古典走向现代的变革。

黄昏时分的浦东美术馆，上海芭蕾舞团的演员带来芭蕾舞《茶花女》选段在现场演出，对应展厅里印象派名家德加笔下的芭蕾场面，19世纪的作品与21世纪的现实，在黄浦江畔交汇。

这是一个试图打破个人与艺术流派孤立状态的展览。

对于展览名“缔造现代”，奥赛博物馆主席西尔万·阿米克（Sylvain Amic）接受《｜艺术评论》采访时说：“‘缔造现代’对应的法语标题是‘现代性的道路’。‘道路’是复数，通向现代的道路不止一条，每条道路都是一个十字路口，或近或远，艺术家做着选择，也有着相互影响。”他也强调，此次展览也是巴黎奥赛博物馆在亚洲规模最大的展览，过去的展览多集中在某一艺术团体，或某个艺术时期，此番在上海，“超越了60年，展现了现代绘画的诞生。”

奥赛博物馆主席西尔万·阿米克在开幕式上发言。    图

西尔万·阿米克还对澎湃艺术透露，明年是奥赛博物馆建馆40年，将举办一系列活动走向世界，中国是重要的文化交流平台，未来与浦东美术馆将深化合作。

策展人斯特凡纳·盖冈导览。 记者 朱伟辉 图

展览由法国艺术史学家和策展人斯特凡纳·盖冈（Stéphane Guégan）担任策展人，他也是2012年中华艺术宫《米勒、库尔贝和法国自然主义：巴黎奥赛博物馆珍藏》的联合策展人。相比13年前，聚焦专注于现实主义运动及其演变，如今的展览汇聚了梵高《梵高在阿尔勒的卧室》《自画像》、米勒《拾穗者》、高更《塔希提的女人》、莫奈《夏末的干草堆》、马奈《埃米尔·左拉》、德加《佩列蒂埃街歌剧院的舞蹈教室》、雷诺阿《钢琴前的女孩》、塞尚《塞尚夫人肖像》、博纳尔《白猫》、西涅克《井边的女人·作品 238》、卡巴内尔《维纳斯的诞生》等奥赛绘画珍品。展览亦呈现二十余件雕塑佳作，包括现代雕塑奠基者罗丹的《维克多·雨果》，以及德加“芭蕾舞者”系列青铜像、高更塔希提时期的木雕作品等。

浦东美术馆年度大展“缔造现代：来自巴黎奥赛博物馆的艺术瑰宝”展览现场。记者 朱伟辉 图

在展览开幕式上，上海芭蕾舞团的演员带来芭蕾舞“茶花女”选段，对应着展厅里德加画中的舞蹈教室。

“这次展览不仅是对这些艺术珍品的致敬，更是一次与时代深刻对话的机会，让我们从中汲取灵感，感受不同艺术流派之间的交流与碰撞。”陆家嘴集团副总经理、浦东美术馆董事长（馆长） 李旻坤在开幕式上说。

展览现场， 德加《佩列蒂埃街歌剧院的舞蹈教室》1872年

展览现场， 德加的芭蕾舞雕塑

米勒是法国绘画的“播种者”

面对名作众多，随手举起相机，便能捕捉到美术史教科书级别的作品。然而，最为中国观众熟知的，是米勒的《拾穗者》和梵高的《梵高在阿尔勒的卧室》。此前开箱时，这两件作品已备受关注，此回置于展览语境中，构成另一番叙事。

展览现场，米勒的《拾穗者》

如今，《拾穗者》静静悬挂于浦东美术馆一个小展厅的中央，周围环绕着库尔贝、巴斯蒂安-勒帕热等同时代现实主义艺术家的作品。与作品洋溢出的田园诗般恬静氛围不同，其1857年展出时曾引起巨大争议，公众普遍认为米勒借由这幅画，抗议当时农民（尤其是农妇）艰难的生活。

米勒 《拾穗者 》1857 布面油画 © photo: Musée d'Orsay, Dist. RMN-Grand Palais / Patrice Schmidt

作品描绘的是一种古老的习俗——收割之后，农民被允许拾取地里剩下的麦穗，但这一“权限”始终依赖于地主的同意。画面中我们可以看到一位骑马的男子正在监督这一过程。

米勒 《拾穗者 》背景中一位骑马的男子正在监督

《拾穗者 》展厅

在同一个展厅中，巴斯蒂安-勒帕热的《干草》直接回应了《拾穗者》。“如果没有米勒的先例，这幅画根本不可能诞生。”斯特凡纳·盖冈对说，“勒帕热试图创作出一件与米勒作品相当的图像，重点突出农民的疲惫，以及他们几近呆滞的神情。这是非常有意思的转变。”“尽管这两幅作品相隔大约二十年，但可以清晰地看到：从米勒的‘现实主义’过渡到了法兰西第三共和国时期的‘自然主义’。但更有趣的是，勒帕热是卡巴内尔的学生。按理说，他原本不该画这样题材的作品。但从19世纪70年代末开始，随着法国政局的变化，即便是学院派培养出来的画家，也开始转向新的题材，尤其是现实主义美学的探寻。”

朱尔·巴斯蒂安-勒帕热《干草》1877，布面油画© photo : RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Hervé Lewandowski

在展览的后续章节中，策展人埋了不少“彩蛋”，回应米勒笔下“土地上的劳动者”。比如，高更的《两个布列塔尼女子》中的左侧人物，就是一位田间劳作者；在埃米尔·贝尔纳的《收割场景》中，也能看到类似的形象。

展览现场，高更《两个布列塔尼女子》1894年

展览现场，埃米尔 · 贝尔纳，《麦收》，1888年

“每一代画家都在米勒身上发现榜样。”盖冈说，“如果我们将这一探索推进一步，莫奈的《干草垛》系列，也是一种向米勒致敬的方式。米勒对梵高的吸引力可以说是一以贯之的，从未中断。”

克劳德·莫奈《夏末的干草堆》1891，布面油画© photo : Musée d'Orsay, Dist. RMN-Grand Palais / Patrice Schmidt

梵高《卧室》回应了19世纪艺术人文关切

在此次展览中，梵高的《梵高在阿尔勒的卧室》与米勒的《拾穗者》一样被放在一个几近神殿的位置上，它体现了梵高对“现实主义本质”的深刻理解。在策展人看来，所谓现实主义，不只是对现实事物的表面描绘，而是要通过最平凡的事物，说出最深刻的东西。

展览现场，《梵高在阿尔勒的卧室》

《梵高在阿尔勒的卧室》中画着极为朴素的家具，那张简陋的床，完全不同于当时典型的资产阶级室内场景。然而，梵高有意识地强调这种简单，因为它已成为他艺术理想的象征。这张床代表着“对理想友情的期待”，是他为高更、为理想的“画家之家”所留下的位置。

梵高《梵高在阿尔勒的卧室》1889，布面油画© photo : Musée d'Orsay, Dist. RMN-Grand Palais / Patrice Schmidt

梵高曾设想邀请与他交情很深的埃米尔·贝尔纳入住黄房子，最终在他弟弟提奥的劝说下，高更前往阿尔勒。高更也是一个有些孤僻的人，他对梵高的精神状况亦有所疑虑。但还是被说服了，并在那里共同生活了几个月，直到发生那场著名的事件——梵高在那个夜晚割下了部分耳朵。

展览现场，黄房子的照片

展览现场，《梵高在阿尔勒的卧室》与高更自画像

梵高在1888年11月至1889年夏天之间创作了三件《阿尔勒的卧室》，眼前这件来自奥赛馆藏是最后一件是梵高为他的母亲和妹妹所作。在这个版本当中，右方墙上挂的两张肖像中，左边的一幅让人想起梵高的《自画像》。在这件《梵高在阿尔勒的卧室》边，亦悬挂着梵高的《自画像》。

梵高《梵高在阿尔勒的卧室》（局部）

展览现场，梵高的自画像

《梵高在阿尔勒的卧室》在结构上像是圣所：透视逐渐向上推升，梵高摒弃了一切“风俗画”的趣味。“他深知，现实主义并不意味着机械地再现日常，而是要赋予这些事物意义，要从最简单的对象中提炼出象征性的内涵。”盖冈说，“在这里，什么都没有。这也是梵高的纯粹性——他知道如何直击要点，绝不喋喋不休。对一个被视为疯子和表现主义先驱的艺术家而言，我希望观众记住的，是他内在的清明与克制。”

梵高《梵高在阿尔勒的卧室》（局部）

从“现实主义”展厅中描绘农民作品的简朴与节制，到阿望桥画派（Pont-Aven School）能看到同样的对平凡事物的信仰。到了后续点彩派与纳比派，即便主题回到了“现代生活”，仍可看到这一精神的延续。比如西涅克在普罗旺斯的绘画作品，也可看作是对梵高的回应。

展览现场，阿望桥画派（Pont-Aven School）高更（左一）、贝尔纳的作品

《拾穗者》《卧室》外，还有哪些“非看不可”

其实，在走入浦东美术馆2楼展厅的一刻，你面对的是两件意料之外、极具古典主义风格的作品，这也是奥赛博物馆收藏年代的初始。

在此热罗姆与卡巴内尔的对峙展出，是一场学院派大师之间的视觉辩证，也是策展人“长久以来梦寐以求的一幕”，如今终于在上海得以实现。它打破了长期以来公众对“学院派等于保守”的刻板认知，也令我们重新审视19世纪法国绘画内部的革新动能。

展览现场开始的两件作品让-莱昂 · 热罗姆《玩斗鸡的希腊年轻人》1846年（左）、亚历山大 · 卡巴内尔《维纳斯的诞生》1863年（右）

“马奈与左拉”这一展厅是展览令人惊艳的高潮之一，在此雕塑与绘画互相辉映，表达艺术家捕捉“运动”的强烈执念。在此策展人提到了《尼娜·德·卡利亚斯肖像》（《女人和扇子》）。画中身着西班牙式短上衣、斜倚于画面前方的优雅女子，既是马奈的挚友，也是马拉美与左拉笔下的灵感缪斯。“她主持一个沙龙，在19世纪法国，这样的沙龙文化极为重要，而女性在其中扮演了决定性的角色。”盖冈说。

展览现场，爱德华·马奈《女人和扇子》1873-1874

爱德华·马奈《女人和扇子》（局部）

对于，展览中哪件作品最能代表“现代”，奥赛博物馆主席西尔万·阿米克亦选择了这一展厅中马奈的作品《埃米尔·左拉》，画中的左拉穿着一身西装，如同当代人的打扮。

在阿米克眼中，19世纪的左拉不仅身处时代中央，更通过他的笔触与思想，深刻参与并改写了那个时代。“他确确实实是一位活在他时代的人。他不仅是作家，更是社会观察者与现实主义的代言人。他为底层代言、为真相而战。他是那个为社会转型作出积极贡献的人。这幅肖像真正代表了‘现代性’的理念。”

马奈《埃米尔·左拉》1868，布面油画© photo : GrandPalaisRmn (Musée d'Orsay) / Patrice Schmidt

在画中，书籍与羽毛笔表明左拉的作家身份，而背景更是充满意味：马奈的《奥林匹亚》、日本浮世绘、亚洲屏风以及委拉斯开兹的版画。“过去、异国文化与现代艺术，在画中被统一呈现。”阿米克指出。它们象征着一种开放的文化姿态，也预示着现代艺术的多元源头。

马奈《埃米尔·左拉》（局部）

这一展厅的尽头，莫奈的《夏末的干草堆》自然不可错过，在策展人眼中，这件作品不只是印象主义的凯旋，更是一种对“法兰西乡村永恒气息”的诗性捕捉。而高更的塔希提女性像，在他看来，则“仿佛在耳边低语”，诉说着另一个时空中的秘语与诗意。

展览现场，高更《塔希提的女人》和他的雕塑

在展览终章，策展人将目光投向博纳尔。“我深深敬爱他。”策展人直言不讳。在他看来，博纳尔在20世纪初的重要性“丝毫不亚于马蒂斯与毕加索”。而那只身体被拉长的《白猫》，正展现了博纳尔如何以夸张赋形、以抒情入画，让一只动物拥有情感、姿态，甚至灵魂。

展览现场，博纳尔的《白猫》

除了众多令人流连的作品外，此次展陈由塞西尔·德戈（Cécile Degos）精心打造，他以奥赛博物馆标志性建筑内景为灵感，结合浦东美术馆空间结构，还原奥赛博物馆的独特氛围，展览在公共区域饰以奥赛标志性大钟，观众可于此拍照打卡，在展览之外延续沉浸感。

展览现场，博纳尔作品《欢愉》

值得关注的是，为更好地服务亲子家庭群体，此次展览特别制作了“少儿展签”，通过简洁易懂的语言讲述艺术作品的故事，提供全年龄段友好的观展体验。

展览将持续展出至2025年10月12日，“巴黎 1874·印象派之夜——沉浸式探索体验”与展览同期开放，观众戴上VR眼镜在长约45分钟的旅程中，将穿越回1874年印象派的诞生时刻。