“真正的艺术总是出现在人们意想不到的地方，出现在那些无人问津或者唤出它的名字的角落。艺术不喜欢具名，也不喜欢被人叫出它的名字。一旦如此，艺术就会逃离。”法国艺术家让·杜布菲（Jean Dubuffet）说。

1945年，杜布菲提出了“原生艺术”的概念。八十年后，上海当代艺术博物馆（PSA）以展览“无羁之境：洛桑原生艺术收藏与他方视界”回顾“原生艺术”的发展，呈现了瑞士洛桑原生艺术收藏馆收藏的“无名”作者和“无题”的作品。

“无羁之境：洛桑原生艺术收藏与他方视界”展览现场

7月11日，“无羁之境：洛桑原生艺术收藏与他方视界”在上海当代艺术博物馆（PSA）开幕。然而，走进展览首先遇到的不是作品，而是一排排肖像。他们的神情安静、专注，带着某种近乎沉默的力量。这些不是人们习惯理解的“艺术家”——他们未曾接受学院训练，常年与社会保持距离，有些人甚至生活在精神病院、监狱或疗养机构中。正是在这些无人问津的角落里，他们悄然构筑起自己的精神宇宙，也构筑起这个展览的根基。

展览现场

据悉，此次展览由上海当代艺术博物馆（PSA）与瑞士洛桑原生艺术收藏馆（Collection de l’Art Brut, Lausanne）共同策划，汇集了来自瑞士洛桑原生艺术收藏馆49位艺术家的233件藏品，以及4位中国自学艺术家的作品，并结合洛桑原生艺术收藏馆自1976年创建以来的重要文献、档案与影像，是国内迄今为止规模最大的关于原生艺术发展历程的研究展。

“展览中每一位艺术家都背着一段艰难的生活，然而，他们的作品并不是苦难和异样造就的，而是一种他们自己并不认为的天赋，以及被忙忙碌碌的人们忘却或包裹起来的一些品质——质朴、执着，和保持真我。”上海当代艺术博物馆馆长龚彦说，“在‘原生艺术’这个命名被提出八十多年后的今天，我们再次回顾它的发展以及那些闪耀的‘无名’的作者和作品，希望能够触发一种思考和感知，关于人性，关于语言未形成时的样态，当然，也关于艺术的未来。”

奥斯瓦尔德·齐特纳，《25人》，1971年，纸上印度墨，21×14.8厘米。洛桑原生艺术收藏（瑞士）。© Olivier Laffely，数字化工作室-洛桑市

何为原生艺术？一场来自边缘的创作

“原生艺术”指的是游离于传统艺术世界之外，自学而成的艺术家创作的作品。原生艺术的创作者多处于社会边缘，或离经叛道，或隔绝于世，往往对集体标准和价值观无动于衷。

在此次展览的策展人之一、洛桑原生艺术收藏馆馆长莎拉·隆巴迪（Sarah Lombardi）看来，原生艺术创作者的共同点在于：“他们的创作为本人而存在，为了回应自身的创造性冲动或内在需求。他们并不追求成为‘艺术家’，也无意参与展览或获得公众认可。原生艺术所代表的，是处于这个官方系统边缘之外的另一条路径。”这也正是展览名“A Walk on the Wild Side”的含义——邀请观众走入这片艺术的“他方”，去发现原生艺术，走上不同的道路。

安娜·泽曼科娃，《无题》，1970-1975年，纸上圆珠笔、彩铅、铅笔、色粉及水粉，62.5×45厘米。洛桑原生艺术收藏（瑞士）。© Marie Humair，数字化工作室-洛桑市

这种无功利、不同于正统艺术的创作，也正是展览希望强调的。展品按主题分为数个章节，分别是“内向世界”“人物形象”“生灵万物”“世间”“分门别类的世界”和“无形之界”，探讨了原生艺术家与他们周围世界的关系。这些交错、多面的主题，让观众不断在个体宇宙、颠倒梦想和日常现实之间来回穿梭。

 展览现场，阿道夫·沃尔夫利的作品

比如，在“内向世界”板块，可以看到阿道夫·沃尔夫利（Adolf Wölfli，1864-1930）的作品。1945年夏天，让·杜布菲曾前往瑞士，主动申请探访当地精神病院和监狱，试图寻找脱离学院体制之外的艺术形式。正是在这次旅途中，他首次接触到了阿道夫·沃尔夫利等原生艺术创作者。那次经历对他极为关键，是他发现“原生艺术”的起点。

阿道夫·沃尔夫利大半生在伯尔尼附近的精神病院中创作。他35岁时开始绘画，并最终创作了一部壮观的半自传形式作品。他的作品以密集、幻象式语言闻名，融合宗教、音乐、地理、幻想等元素，构成充满节奏感的视觉结构。

阿道夫·沃尔夫利，《无题（布达佩斯时间轮）》，约1922年，纸上彩铅及铅笔，50.4×65.3厘米。洛桑原生艺术收藏（瑞士）。© Arnaud Conne，数字化工作室-洛桑市

在展览中，能看到很多原生艺术家的画笔几乎填满纸面的每一处空白，像是无尽的情感没有边际地迸发。

展览作品

瑞士原生艺术中最为重要的女性艺术代表之一阿洛伊丝·科巴兹（Aloïse Corbaz，1886–1964） 的作品呈现在“人物形象”板块。她在三十多岁时被诊断为精神分裂症，并于1918年被送入精神病院，在那里开始创作。医院工作人员在1936年鼓励她继续创作，并向杜布菲推荐她的作品。

她的作品以饱满浓烈的色彩和符号语言著称，常呈现宫廷式爱情场景、歌剧人物或幻想的恋人，人物形象特征是夸张的蓝眼睛。她使用彩铅、蜡笔、花汁或牙膏，在回收纸张上创作，大面积缝合、双面绘制，常填充图案至极限、密不透光 。

阿洛伊丝·科巴兹，《无题（万森讷城堡）》，1941-1951年，彩色铅笔绘于缝合在一起的两张纸上，69.5×175.22厘米。洛桑原生艺术收藏（瑞士）。© Claudina Garcia，数字化工作室-洛桑市。

在他们的作品边缘，还能看到一个蓝色圆形印记，这说明这些作品来自杜布菲的收藏。在欣赏展览作品的过程中，寻找杜布菲的收藏印记，不失为一种触碰历史的方式。

作品左上角的蓝色圆形印记，是杜布菲的收藏痕迹；表明是洛桑原生艺术收藏馆最早的馆藏

1971年，让·杜布菲将大约五千件藏品，以及他收集的有关原生艺术的文献一并捐给了洛桑市政府。原生艺术收藏最终落户于一座18世纪的城堡，并于1976年2月26日对公众开放。此后，随着新藏品的加入、作品捐赠，以及对原生艺术新创作者的发现，这一收藏始终持续稳步增长。目前，原生艺术收藏的馆藏作品已逾七万件。

让·杜布菲亲临瑞士洛桑的原生艺术收藏馆，1976年2月。照片由让-雅克·莱瑟拍摄。瑞士洛桑原生艺术收藏馆馆藏。

一场原生艺术的对话

此次展览汇集了来自洛桑原生艺术收藏馆49位艺术家233件藏品，除了阿道夫·沃尔夫利、阿洛伊丝· 科巴兹最初启迪过让·杜布菲的创作者，也有户次公正（Kōmei Bekki）、达武德· 库查基（Davood Koochaki）、朱迪思· 斯科特（Judith Scott）等洛桑原生艺术收藏馆自成立近五十年以来发掘的原生艺术家。

展览现场，户次公正的作品

他们的作品无所谓材质、形式，手边现成的材料和工具，就构成了原生艺术家的创作世界。所以，在展览中，既有绘画、雕塑，也包括织物装置、石材雕刻等作品，体量上从极小的纸本到大尺幅，甚至很多作品能看到拼接的痕迹。

“无羁之境：洛桑原生艺术收藏与他方视界”展览现场

其中，具有重要意义的是中国艺术家郭凤怡（1942-2010）。洛桑原生艺术收藏馆自2007年起收藏郭凤怡的作品，并在2011至2012年举行她的大型回顾展；上海当代艺术博物馆亦收藏了这位艺术家的多件作品。在此次展览中，这两家分别深耕当代艺术和原生艺术领域的机构，均拿出了馆藏的郭凤怡作品。两家也因她在展览中建立了对话关系。

展览现场，洛桑原生艺术收藏馆收藏的郭凤怡作品。

郭凤怡自上世纪90年代开始创作，起初是为治疗身体疾病而作画，逐渐发展为一种强烈的精神表达。她所画的多为半人、半植物、祖先、神灵或象征性的形象，它们交织于犹如刺绣线一般精细的线条勾勒出的网络中。她的作品既与原生艺术的“自发性”紧密相连，又指向东方独特的身心观。

展览现场，上海当代艺术博物馆藏郭凤怡作品。

隆巴迪看来，郭凤怡的存在为这场展览打开了一个真实的交汇点——“原生艺术”并非只能在西方语境中成立，它的精神内核与中国民间艺术传统之间，存在某种穿透文化与语言的共鸣。

展览现场，库淑兰作品。

展览展出的中国艺术家还包括了库淑兰（1920-2004）、张步花（1941年生）等。在龚彦看来，“原生艺术”并不是一个流派，而是一种状态，它无法复制、无法传承，也无法演变，它的确立不是因为一群人的“共识”，而是因为每个个体的彻底“不同”。

展览现场，张步花作品。

展览设立了一个特别展示区域，以纪念“原生艺术” 这一概念的提出者让·杜布菲。这里展出了洛桑原生艺术收藏馆保存的档案文件，并以纪事年表的方式梳理“原生艺术” 概念的诞生与发展历程，展现它如何重新构建我们对艺术的理解与定义。“原生艺术的力量不仅在于它让我们重新思考什么是艺术，更在于它重新定义了艺术的归属。”隆巴迪说。

展览特别展示区域，让·杜布菲和“原生艺术”的历史

展览尾声两组幻灯片影像悄然播放，记录着原生艺术环境——那些位于户外、花园或自然空间中的建筑或装置。但如同他们的创作一样，这些环境在创作者去世后常常被破坏、遗弃。而展览正试图为这些未被唤名的创作者留下痕迹。

展览将持续至10月12日。