图①：电影《南京照相馆》海报。 图②：电影《东极岛》海报。 图③：电影《戏台》海报。 图④：电影《浪浪山小妖怪》海报。 图⑤：电影《长安的荔枝》海报。 以上图片均为出品方提供

二〇二五年电影暑期档——新表达 新空间（艺文观察）

任姗姗

上映13天，《南京照相馆》票房超过17亿元；截至目前，2025年暑期档总票房已超过74亿元……“无论题材类型还是风格样式，今年的暑期档电影都呈现出多样化的追求，能够满足不同年龄、不同地域、不同喜好的观众。”中国电影评论学会会长饶曙光说。

7个普通人“威武不能屈”的抗战史诗，一个唐朝小吏的千里奔波，一条“取经”路上的寻找与确信，一座“戏台”演绎的悲欢与离合……自6月开启暑期档以来，数十部中外新片接力上映，涵盖了喜剧、悬疑、历史、动画等10余种类型。中国电影观众满意度调查显示，《南京照相馆》的观众满意度居2025年电影首位。观众评分网站上，《南京照相馆》《罗小黑战记2》《戏台》等影片评分超过8分，开分后又分别迎来涨分。网友评价：“今年绝对是质量过硬的一届暑期档！”

对新表达的不懈追求，是今年暑期档电影的最大共性，也是赢得观众、打开新空间的主要经验。

电影《南京照相馆》的表达，“新”在摆脱了宏大叙事容易“见事不见人”的窠臼，开阔了对主旋律和重大题材的理解。该片集中笔墨“写”普通人在生死关头的大义与坚守，及其背后的精神脉络与人文底色。电影主创以正确的二战史观、严肃的创作态度，传递当代青年对历史真相的探求与思考，唤起全民族共同记忆，有力呼应了中国人民抗日战争暨世界反法西斯战争胜利80周年的重大主题。

动画片《浪浪山小妖怪》《聊斋：兰若寺》的表达，“新”在以丰富的想象力“再造”了文化资源。二者分别从经典文学出发，创造性运用当代生活体验和现代价值观进行“故事新编”，抵达观众情感的最大公约数。在“小猪妖”和他的“取经”小伙伴身上，观众看到自己的影子；《聊斋：兰若寺》改编《画皮》故事仅凭一句台词，就彰显对旧家庭观的扬弃……影片所激发的共鸣，都与“我”正在经历的，以及“我”正在关注的有关。

电影《长安的荔枝》的表达，“新”在找到古与今的结合点，拓宽传统题材的主题辐射面。电影《戏台》的表达，“新”在找到戏剧与电影的结合点，延展喜剧电影的表达半径。

“今年或将是国产电影创作的转型之年，艺术把握能力和对社会情绪的敏感度，成为热门影片的两大要素。”清华大学教授尹鸿认为，暑期档多部口碑影片“不再单纯追求场面的宏大，而更注重故事的完整；不再单纯追求情节的刺激，而更注重人物形象的塑造；更重要的是，不再单纯追求类型化的表达，而是寻求与大众情绪、时代精神的深度契合”。

新表达，还包括在电影工业化支撑下的技术突破与视听创新。即将上映的电影《东极岛》，将水下、水面、海上、船体的拍摄与特效技术相结合，水戏团队规模上百人，累计水下拍摄达70天，美术置景团队按照战俘船及同类型船只搭建巨轮四大部分，仅船体侧舷置景就占地2万平方米，能抗12级风的模拟。

新表达，不仅为国产电影开辟新的叙事空间、新的审美空间，也拓展出新的市场空间。据灯塔专业版数据显示，从观众画像看，今年暑期档观众男女比例相比去年更为均衡；从年龄分布看，《酱园弄·悬案》《罗小黑战记2》《恶意》的年轻观众占比突出，《戏台》40岁以上观众的占比超过40%，大幅超出其他影片。

新表达的完成，源于对中国电影现实主义创作传统的返本开新。不论是将镜头对准用生命保护侵华日军罪证的平民，还是用寓言性故事拷问面对诱惑坚守理想的可能，不论运用新的视听语言还是采用传统拍摄手法，暑期档影片反复锤打的是“如何成为更好的‘我’”这一主题，追求的是对世道人心的度量与观照。

2025年，适逢世界电影诞生130周年、中国电影诞生120周年，这一年由横空出世的《哪吒之魔童闹海》惊喜开篇，在暑期档沉淀诸多思考。面对新的技术和新的媒介，电影的语境比以往更加纷繁复杂，今天的中国电影人接续百年传统、续写时代新篇，必然要有乘风破浪的魄力与信心，必然要敢于探索、勇于创新。

让历史真相不被掩盖和遗忘

电影《南京照相馆》导演、编剧 申奥

前几天，我们几位电影主创重回南京。与电影里那个断壁残垣的城市相比，眼前的这座城市高楼林立、鳞次栉比，一切都发生了翻天覆地的变化。而每一个中国人都不会忘记，88年前，日军曾在这里制造惨绝人寰的南京大屠杀，我们不会忘记敌人曾如此丧尽天良，更不会忘记，那些为抵御外侮不惜献身的先辈们。

我的姥爷参加过新四军，我从小就听他讲述关于正义与和平的故事。12岁，我看了反映南京大屠杀的国产电影《屠城血证》，在心底埋下种子。2023年，电影《志愿军》的编剧张珂给我讲了四五个正在孵化的故事，其中之一便是《南京照相馆》。

好的创作，把虚构的东西拍得像真的一样；不够好的创作，真实的东西也会被拍得像虚构的。所以，每次创作我都非常依赖文献、纪录片、回忆录、采访等资料。《南京照相馆》以南京大屠杀期间日军真实罪证影像为载体，我们搜集了大量出版物、纪录片、相片，曾赴侵华日军南京大屠杀遇难同胞纪念馆搜集素材。

看过那么多历史资料，我们发现，在那一辈人身上有一种非常可敬、崇高，比生命还重要的东西，就是信念。而大量有信念的普通人并没有在历史课本上留下自己的名字，《南京照相馆》讲述了他们的抗争。

这段历史值得一讲再讲，今天再拍，最主要的是与当下产生连接。今天我们身处信息爆炸的时代，信息几乎是实时传播的。而在那个信息匮乏的年代，一张张照片不仅是对暴行的记录，对历史的存证，更是重要的信息传递。剧本策划向我提出一个概念：侵华日军在中国发起的不仅是一场热战，更是一场舆论战、文化战。以往有不少讲述热战的电影，还没有影片特别准确、聚焦地揭露这场战争背后的文化掠夺、舆论争夺。我们决定沿着这个思路尝试。电影中，孙中山先生题字的牌匾被肆意涂抹，井上的办公室摆满抢夺来的古玩字画……这些都揭示了文化侵略的意图。

电影一定有戏剧的部分，要扣人心弦，也要保证绝不能歪曲历史。处理好历史真实和艺术真实，十分关键。从建组之初，我们就要求所有人都以高度的使命感和严肃专业的态度面对创作，一定要避免历史虚无主义，避免细节上的纰漏。在我看来，电影就是一个时代的影像见证，电影作品也是“活”的历史教科书。通过一部电影，让更多人了解真实的历史，这是多么崇高的使命，创作者必须慎之又慎。

影片的主题是“铭记历史、吾辈自强”，我还想表达团结的意义。影片中的人物能把这些罪证传递出来，根本上是因为团结。14年抗战，从被动挨打到赢得胜利，不仅是军事上的胜利，更是一场人民战争的胜利，是千千万万中国人团结一致、众志成城，才最终赶走了侵略者。希望这部电影在引发大家的讨论后，形成一种凝聚力。

8月7日开始，《南京照相馆》将陆续在澳大利亚、新西兰、美国、加拿大上映，后续还将与马来西亚、新加坡、俄罗斯、韩国等国家的观众见面。当年，不只是一个国家的人、一个胶卷、一本底片，让这一历史真相不被掩盖和遗忘。希望这部电影让更多人清醒地认识到，反法西斯是全人类对于和平的共同期待，和平的成果需要我们共同守护。

（任姗姗、刘阳采访整理）

“长期主义”就是“戏比天大”

电影《戏台》导演、主演 陈佩斯

从话剧《戏台》到电影《戏台》，这一路我们走了10年。说实话，10年前刚排这台戏的时候，哪敢想能演这么久啊！每次演出，我们都当作第一次演，都往戏里带点新琢磨，不是一味讨好，更不能闭门造车，而是在剧场里跟观众一点点磨出来的。观众在这个地方没笑，回去就得琢磨；这个地方效果好，想想节奏还能怎么更好。戏要常青，就得像以前的老艺人说的“带活气儿”。既要守住根本，又要懂得让戏“呼吸”。

我做喜剧，刚开始确实是因为热爱。年轻的时候就觉得能把人逗乐特别有成就感。但干着干着就发现，喜剧这事儿没那么简单——它背后连着的是咱们中国人几千年的精神气儿。《史记》里写的“优孟衣冠”是春秋时期的讽谏故事，今天看，那是最早的喜剧表演。现在的喜剧，说到底，是在传承一种活法儿。

好的喜剧，一定是讲对人有用、对社会有意义的故事。但这个意义不是硬塞给观众的，而是藏在那些荒诞的情节里、角色的困境里，等观众自己发现。这才是我心目中喜剧该有的样子。

喜剧的厚度得往文化的根上找。我们这部戏里有很多细节。为什么戏箱不能随便坐？一个戏箱，装着上千年的讲究。拍的时候，光考据这些细节就花了大力气。为什么？因为真正的喜剧冲突得从文化土壤里长出来。我们要尊重自己所做的这件事、这个舞台。尊重了，有了敬畏心，才能更好地传承。艺术是可以创新，可以突破，但根儿不能丢。就像种树，你修剪枝叶可以，但把根刨了，树就活不成了。

我从2001年回归舞台，心里想过：离开这么多年，观众还记得陈佩斯是谁吗？但只要舞台上灯光亮起来，熟悉感和踏实感就回来了。最怕的不是观众不接受，是怕自己对不起这方舞台。我们站在舞台上，能看清每个观众的表情。观众乐了笑了，心里就有底。这个皱眉了，那个打哈欠了，这戏就得再想想怎么改。舞台就是你给它付出真心，它还你精气神。只要有观众看，我就会一直演，有戏演、有观众等你，就是最大的幸福。

从电影到电视，从电视到舞台，再从舞台回归电影，我尝试过多种艺术形式。像唱戏的行当，生旦净末丑，各有各的味儿。最早拍电影用胶片，成本金贵，不能轻易出错，压力挺大，这种压力逼着自己在镜头前更留神些，把每处细节再磨得细些、稳些。电视这个载体能把你的表演带去千家万户。话剧舞台的反馈是实时的，台下坐着千把观众，你抖个包袱，笑声立马“砸”脸上，很过瘾。这次把《戏台》拍成电影，算是融合了各种艺术形式的特色和优势。话剧的筋骨，舞台的现挂，电影的镜头语言，形式不是最重要的，重要的是里头得装着真东西。

现在流行说“长期主义”，其实就是老艺人们常挂嘴边的“戏比天大”。您看那些老戏班子，都是一代代人在“死磕”。搞创作就认一个死理儿：戏是磨出来的。我们有时候也得有这股子轴劲儿，为了一句台词能磨半宿，为了电影里一个不起眼的道具或者台词的气口较真，即使观众不会注意到，我们自己心里得门儿清。永远把观众当明白人，别想糊弄观众。不管潮流怎么变，该守的规矩一寸都不能让。

（刘阳采访整理）

排除杂念，才能奔着最好去！

电影《你行！你上！》导演、编剧、演员、剪接 姜文

《你行！你上！》的故事主人公是郎朗，一位在我们的关注下成长起来的国际知名钢琴艺术家。我们从各种新闻报道里知道了他的事情。且慢，我们自以为熟悉的，却往往未必真的熟悉。我想与观众一起体验：你是不是知道，还是有待于知道，或者你以为知道，或许并非真的知道。

如果说有一个计划是100位导演一起拍这个故事，你就会很清楚地看到，每个人都不一样，拍出来的那个不一样，就是导演的印记。创作者带有自己的印记，这很正常，也很必要。曹雪芹在《红楼梦》里写林黛玉，一定带有他的视角、他的印记。所以，我怎么看郎朗，很重要。我停下来，一年两年三年，去观察、去书写、去拍摄。前些年，我得到一个机会陪伴孩子们成长，我发现人和人的关系往往被忽视，尤其是亲情，所以拍了这部电影。

这个故事讲郎朗和他的父亲，更是讲那些敢于梦想、敢于梦想成真的人们。热爱可以让人超越极限。郎朗一天弹12个小时钢琴，并不觉得累和苦。电影里有意思的是，他的爸爸发现他能干这个，有想法，还有办法。有想法特别好，必须得有办法来辅助，想法才能变成现实。这是我在电影里想表达的。

还有一点就是，排除杂念，才能奔着最好去！人往往绊在一些杂念上。其实你能走得更远，不知道哪来的杂念，或者听说了一些潦草的信息，成了绊脚石，让你没有坐下来想一想办法，就直接走了。这也是达不到最终目的和内心向往的原因。

题材并不天然决定电影拍得好不好。《你行！你上！》里，郎朗去德国、日本参加的钢琴比赛，其实就是一个国际性赛场，跟奥运比赛类似。现实当中，没有一个钢琴学校会为学生们设置一个水池，我拍的是我脑子里的钢琴学校。这部电影可以想成是动作片、体育片、战争片，甚至比那些的竞技性还强，而且带有美妙的旋律和音乐。

想导好一个戏，剪接好一个戏，事先写好剧本很重要。演员水平的发挥，也得在剧本的基础之上。我相信那句话：没有伟大的演员，只有伟大的角色。与演员合作的关键在于，有没有一个好故事给到他。

如今网络发达，大家露脸的机会多了，说的话都能被听见了。问题是都这样，也就等于都不这样。你要是不认真，对自己不负责任，还是“零”。就像电影里的这句台词：你得抓住你能改变的事情。为你不能改变的事情而焦虑，没用。改变了自己，还可能改变环境，继而改变更多的人，给更多人带来生活上的便利，那才是更有意思的一生吧。

（任姗姗采访整理）

为观众呈现熟悉的“上美影”

上影集团党委书记、董事长 王隽

网友说，电影《浪浪山小妖怪》“是一部每个人都能从中看见自己”的动画片。这部电影延续了动画短片集《中国奇谭1》中《小妖怪的夏天》的同一世界观，讲述4个无名小妖怪怀揣英雄梦踏上“取经”路的故事。影片以“小人物”的视角、全新的叙事架构和中国动画的视听美学，开启“西游故事新篇”。

“我是看着‘上美影’动画片长大的。”观众的深情表达，既是对“上美影”作品的喜爱，也饱含满满的期待，激励我们用心创作，用更新更美的作品赓续中国动画的美学风范。

上海美术电影制片厂成立60多年以来，创作了500多部（集）美术动画片。从《大闹天宫》民族风格的确立到《浪浪山小妖怪》的全新上映，我们在中华优秀传统文化创造性转化、创新性发展的道路上孜孜以求。《浪浪山小妖怪》的创作轨迹，映射中国动画产业正在经历的深刻变革——既要传承好数十年积累的艺术传统，又要直面当下娱乐方式多样化带来的审美意趣的更新迭代。

“不重复自己，不模仿别人”，是“上美影”一直坚持的创作理念与艺术追求。电影产业自有一套标准化、工业化的流程，而完整体现中国画的笔墨、意蕴，是工业标准无法定义，也难以机器化生产的。对于今天的动画电影制作，如何在艺术个性化和制造工业化标准之间寻求平衡点，是必须直面的挑战。

《浪浪山小妖怪》汇聚监制陈廖宇、导演於水等超过600人的主创制作团队，精细打磨1800多组镜头。在多位前辈艺术家的指导下，20多位画师完成近2000张场景。在视觉表现上，影片采用中国传统水墨动画，又非单纯沿用传统绘画技法，而是融入透视、光影、运镜等现代技法，形成新的镜头语言，力求让观众看到熟悉的“上美影”。

“西游”故事家喻户晓，今天如何激活这个IP，体现当下的时代感、让观众认同，是我们一直思考的。《浪浪山小妖怪》延续了“上美影”作品强寓言性的特点，聚焦《西游记》中无人关注的“平凡小妖”，“补写”了《西游记》故事外的一段空白，用“小猪妖”“蛤蟆精”“黄鼠狼精”“猩猩怪”组成的“无名取经团”映射我们的现代生活。我们希望用有意义、有趣、令人共情的表达，使新的“取经”故事走进观众内心。

从点映开始，我们就密切关注观众的反馈。“老少皆宜”“呈现国风美学”“开辟西游题材新赛道”……观众的一系列鼓励中，有对电影创作十分重要的启示：扎根生活沃土，只有反映美好情感与生活向往的作品，才能引起观众的共鸣；向经典和传统要创意，中国神话、传说、古典小说，始终是中国电影、中国动画创作的“富矿”；弘扬“中国动画学派”的传统，弘扬真善美，是我们创作的永恒追求。

将创新思维与当代审美、现代生活相融合，用时代精神激活动画的原创力、创制力、表现力，优秀传统文化必将活力奔涌。

“笨功夫”是电影人的真诚

电影《长安的荔枝》导演、编剧、主演 大鹏

创作电影《长安的荔枝》，是我导演生涯以来遇到的最大考验。辗转七地取景拍摄，同时在组人员最高峰值是1300人。有时实在挨不住了，我就用一位前辈的话鼓励自己：“做有意义的事情都难。”幸运的是，拍电影不是一个人的战斗。我身边有一群前赴后继的伙伴，我们一起扛过来了。

第一次拍摄古装片，为让影片的细节经得起推敲，我几乎是恶补唐史，一口气买了40多本与唐代相关的书籍，不断查阅、对照，还要与服化道、美术、摄影等各部门反复沟通。历史要准确，审美要当下；既不能悬空古意，又不能让观众觉得有隔阂。如何拿捏这种“古今尺度”也是难点。语言方面，用语过古，会让人产生距离感；太现代，又容易出戏。我们努力在两者之间找到平衡，尽量让观众听得懂又不失年代感。

我经常刷到很多“《长安的荔枝》十大金句”一类的短视频，每次刷到，都会截图、保存，提醒自己在改编的时候要记住，这些是观众喜欢的、读者喜欢的，不要去随意改变它。

电影《长安的荔枝》中，我既是导演、编剧，也出演了主人公李善德，从青涩少年一直演到两鬓斑白的老者。李善德，一个被推到台前的基层小吏，咬牙去完成几乎不可能完成的任务。我被这种“不是英雄却硬着头皮扛事”的劲儿打动了。在拍摄这部电影的过程中，我也时常觉得自己正经历一场能力边界之外的挑战。他的焦虑、坚持以及硬扛的劲儿，我都感同身受。

电影里，李善德运送荔枝5000里，拍摄中，我们同样一路奔波。技术飞速发展，虚拟拍摄固然可以“一日千里”，但实景的真切没法替代。岭南的湿热、山路的泥泞、演员一身的疲惫，这些只有身临其境才能体会。有一次，我们在广东阳春拍完，又赶赴罗定。几百人花了3个多小时才到达现场，造型、走位、航拍一气呵成，拍完又连夜撤离。最终那一组镜头，在成片中不过几秒钟。有人说这是“笨功夫”，我觉得，这应该是电影人的真诚，这种“手工感”会累积出整部电影的气质。

今年是我作为导演的第十个年头。有人问：你总是在塑造“小人物”，这是主动选择，还是创作惯性？我不是这么出发的，却是这么抵达的。可能我之前演了类似的角色让人印象深刻，于是这样的角色会容易找到我，变成了一种创作惯性。这里面更深层次的原因在于，我就是这样的人，我接触到的就是这样的人。他们很普通，有血有肉，踏实生活，热爱生活，有一些无可奈何，却依然愿意为只有一次的生命全力以赴。

一个像我这样的创作者，没有任何办法在作品中把自己“藏”起来，是否真诚，是否渊博，是否幽默，最后都会在电影中纤毫毕现。而无论讲什么样的故事，底色都是我，一个具体的我——比较草根，有学习心态，愿意进步，肯下苦功夫，有些笨拙，但很真诚。